Dal Midwest americano alle scogliere frastagliate della California, passando per il Messico dopo la rivoluzione: il viaggio fotografico di Edward Weston arriva a Torino per mostrare, scatto dopo scatto, come la realtà possa diventare una , presenza quasi scultorea.
Dal 12 febbraio CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia dedica al maestro statunitense la grande mostra Edward Weston. La materia delle forme, organizzata da Fundación Mapfre in collaborazione con l’istituzione torinese e curata da Sérgio Mah. Dopo le tappe di Madrid e Barcellona, il progetto approda per la prima volta in Italia, portando con sé un nucleo di 171 fotografie, molte delle quali in stampe vintage, affiancate da una selezione delle prime edizioni dei libri pubblicati da Weston durante la sua vita.
Il percorso espositivo è concepito come una vera mappa della sua evoluzione artistica: Weston non viene presentato soltanto come autore di immagini iconiche, ma come protagonista di una trasformazione più ampia della fotografia del Novecento, in dialogo con le avanguardie europee. Se in Europa il modernismo fotografico spesso sperimentava montaggi e manipolazioni, Weston sceglie di togliere il superfluo fino a far emergere l’essenza.
A rafforzare questa immersione c’è anche la proiezione di The Photographer, cortometraggio di Willard Van Dyke del 1948: 26 minuti che offrono un raro sguardo sul Weston degli ultimi anni mostrando il modo in cui prepara lo scatto, la lentezza dei gesti e l’attenzione quasi rituale alla composizione. È il ritratto di un artista che considera la tecnica un linguaggio da padroneggiare per arrivare a una visione che sia più limpida possibile.
La mostra segue cronologicamente le tappe della sua ricerca. Gli inizi sono segnati dal pittorialismo, corrente allora dominante, con immagini dai contorni morbidi, atmosfere sognanti, paesaggi pastorali e ritratti. Ma già in queste prove giovanili si intravede un’inquietudine: Weston sembra usare il pittorialismo come palestra, non come destinazione. La fotografia, per lui, non deve imitare la pittura; deve trovare una propria voce.
La svolta decisiva arriva con i soggiorni in Messico tra il 1923 e il 1926. Qui il fotografo entra in contatto con un ambiente culturale vivacissimo e riconsidera radicalmente il proprio approccio: le immagini si fanno più nitide, le composizioni più rigorose, la luce più analitica. Weston matura la convinzione che la forza della fotografia risieda nell’atto di scegliere l’inquadratura, attendere la luce giusta e riconoscere la forma nascosta nelle cose.
Da questa consapevolezza nascono i celebri nudi, in cui il corpo umano diventa un territorio di linee e volumi. La pelle si trasforma in paesaggio, le curve dialogano con le ombre, la sensualità scaturisce dalla geometria più che dalla narrazione.
Lo stesso sguardo si ritrova nelle nature morte, uno dei capitoli più noti della sua produzione. Weston isola gli oggetti, li sottrae al contesto quotidiano e li mette sotto una luce capace di rivelarne la struttura. Un peperone può evocare la torsione di un corpo, una conchiglia diventa architettura, una foglia di cavolo assume pieghe monumentali.
Dalla fine degli anni Venti in poi emerge con forza il tema delpaesaggio. Weston guarda soprattutto all’Ovest americano, tra deserti, litorali e parchi immensi, spazi spesso privi di presenza umana, dove la natura non è sfondo ma protagonista.
Negli anni Quaranta il tono di alcune immagini si fa più meditativo, talvolta segnato da suggestioni di decadenza e mortalità. Tronchi spezzati, forme erose, dettagli che parlano del tempo che passa.
Elemento costante di tutto il suo lavoro è la scelta della fotocamera di grande formato e del bianco e nero, strumenti ideali per ottenere immagini di straordinaria definizione.
